Cannes 2022: Höhepunkte der Rückkehr des legendären Filmfestivals

Der allgemeine Konsens der Teilnehmer bei den Filmfestspielen von Cannes 2022 war, dass die Auswahl „gut“ war. Viele, die sich in der Schlange unterhielten, warteten gespannt auf einen gigantischen Breakout-Film und stellten fest, dass Premieren von Meistern und Newcomern bestenfalls enttäuschend, schlimmstenfalls enttäuschend waren. Diese Ankündigungen sind natürlich unabhängig von den Launen der Jury, ganz zu schweigen von den allgemein willkürlichen Entscheidungen, bestimmte Titel in den offiziellen Wettbewerb aufzunehmen oder sie in eine andere Sektion oder Seitenleiste zu verweisen.

Die Zeit wird zeigen, ob die anhaltende harte Haltung gegenüber der Beteiligung von Netflix am Festival die Gesamtqualität beeinträchtigt, aber angesichts der jüngsten finanziellen Turbulenzen bei diesem Unternehmen könnte hier ein langes Spiel im Spiel sein. Dennoch gab es auch von keinem der anderen Streamer größere Veröffentlichungen. Das Endergebnis kann sein, dass es Titel wie TIFF, Telluride und (insbesondere) Venice mit einer Menge außergewöhnlicher Titel stapelt. Verschiebt sich der Fokus noch stärker auf die Herbstfeste?

All dieses Zähneknirschen würde darüber hinwegtäuschen, dass es an der Croisette Edelsteine ​​​​zu finden gibt, besonders wenn man herumgräbt. Nehmen 'Freudeland', das in Un Certain Regard spielte und einen Sonderpreis der Jury erhielt (es hätte sogar noch mehr verdient). Als erster pakistanischer Film, der jemals auf dem Festival gezeigt wurde, ist Saim Sadiqs erstaunliches Debüt so klanglich präzise und reich an Performance und Erzählung, dass es sich fast kriminell anfühlte, weil es außerhalb der Aufmerksamkeit der meisten Menschen lag.



Die Aufnahme eines Mannes auf einem Roller, dessen Gesicht im Schritt eines riesigen Stehpults vergraben ist, hat mich zum ersten Mal zu dem Film hingezogen. Der Fahrer ist Haider Rana, gespielt von Ali Junejo mit großer Sensibilität und innerer Zerrissenheit. Zusammen mit seiner arrangierten Ehegattin Mumtaz (Rasti Farooq), seinem Vater (Salmaan Peerzada), seinem Bruder (Sohail Sameer) und seiner Schwägerin (Sarwat Gilani) bildet die Familie eine enge soziale Einheit, in der die Geschlechterrollen leicht fließend sind . Während Mumtaz als Maskenbildner für angehende Bräute arbeitet, spült der arbeitslose Haider den Abwasch und kümmert sich um die Kinder, sehr zum Leidwesen seiner Geschwister und des Patriarchen.

Als ein Freund sagt, dass es einen Job in einem örtlichen Theater gibt, trifft Haider auf Biba (Alina Khan), eine Tänzerin mit einem Gefolge von Jungen, die in der Pause hinter ihr tanzen. Die Tatsache, dass sie Transgender ist, scheint zunächst unkommentiert, doch allmählich treten die subtileren Überlegungen der konservativen Gesellschaft Pakistans in den Vordergrund.

Von hier aus wird so gut wie jedes Vorurteil, das Sie über Pakistan und sein Kino haben, auf den Kopf gestellt, und es ist schwer zu glauben, dass beim Erzählen dieser Geschichte ein gewisses Maß an politischer und sozialer Tapferkeit steckt, das weit über fast jeden Film hinausgeht, der auf dem Festival gezeigt wird. Jedes Mal, wenn ich befürchtete, dass es in rührseliges oder vorhersehbares Geschichtenerzählen ausarten würde, wurden die Dinge auf den Kopf gestellt, und die Komplexität von allem – soziale Beziehungen, Familiendynamik, religiöse und kulturelle Erwartungen, Formen der Sexualität – wurde auf subtile und tiefgründige Weise behandelt. Es ist ein wirklich unvergesslicher Film und eine wahre Entdeckung des diesjährigen Festivals.

Dasselbe könnte man für sagen 'Rebell,' Adil El Arbi & Bilall Fallah ’s radikaler Film über Radikalisierung. Dem westlichen Publikum am besten bekannt für Helming „ Böse Jungs fürs Leben “ Adil & Bilall haben das sicherlich erste ISIS-Musical geschaffen, das Hip-Hop-Sensibilität mit einer dramatischen, manchmal actiongeladenen Geschichte einer Familie verbindet, die in der Falle gebrochener Versprechen gefangen ist.

Kamal (Aboubakr Bensaihi) ist ein rappender, motorradfahrender Punk-Junge von der Stange Molenbeek Gemeinschaft in Brüssel, Belgien. Als ihn seine kriminellen Taten einholen, muss er fliehen und findet in der Hoffnung auf einen Neuanfang eine Art Zuflucht in Syrien. Da er feststellt, dass seine Fähigkeiten beim Erstellen von Videos von größerem Nutzen sind als das Führen einer Waffe, findet er sich bald wieder, mit der Kamera in der Hand, die Gräueltaten seiner neuesten Gruppe von Kameraden festhalten.

Sein jüngerer Bruder Nassim (Amir El Arbi) tendiert derweil in die gleiche Richtung, sehr zur Sorge seiner Mutter (Ala Riani). Sie spricht atemlos mit Mitgliedern aller Institutionen, die sie kann, sowohl religiöse als auch staatliche, und wird von denen blockiert, die einfach auf das Endergebnis warten, anstatt die Tragödie zu verhindern, bevor sie eintritt. Es ist eine düstere, aber außergewöhnliche Reihe von Aktionen, die die Herausforderungen der Umstände perfekt zusammenfassen, die oft um der moralischen Überlegenheit willen vereinfacht werden.

Während sich der Film entfaltet, verschmelzen die Heucheleien und Täuschungen von allen Seiten. Die Tatsache, dass dieser Film es schafft, die Ereignisse mit gelegentlichen Tanznummern und bitteren Rap-Performances zu unterbrechen, ohne ins Lächerliche abzugleiten, ist ein Beweis für die außergewöhnliche Fähigkeit von Adil & Bilal, selbst die größten Momente auf dem Boden zu halten. Die Genremischung des Films aus Actionfilm, gesellschaftspolitischem Drama und Musical ist phänomenal und ergibt etwas, das sich frisch, unterhaltsam und äußerst wichtig anfühlt.

Wenn wir uns Filmemacher ansehen, die enger mit der Cannes-Liste in Verbindung gebracht werden, finden wir bestenfalls eine gemischte Tüte. Claire Dennis wird bei diesem Fest geliebt, und selbst ihre mittelmäßigsten Werke haben ein Maß an Unterstützung erreicht wie wenige Künstler. „Sterne am Mittag“, nach dem Roman von Dennis Johnson , ist so ein Chaos, dass es fast komisch ist, aber es überrascht nicht, dass sich die Jury dafür entschieden hat, den Künstler und nicht die Kunst zu feiern.

Der ursprüngliche Roman spielte in den 1980er Jahren in Nicaragua, tief im Sandanista-Konflikt, und diese modernen, vielsagenden Hinweise auf diesen Ort, auch wenn die panamaische Kulisse, die sowohl für COVID- als auch für Sicherheitszwecke gewählt wurde, nicht ganz das richtige Milieu heraufbeschwört. Margaret Qualley gibt ihr alles als Trish, die Daniel trifft ( Joe Alwyn ), eine weiß gekleidete Angestellte einer Ölgesellschaft, und ihr Leben wird auf den Kopf gestellt, als die beiden sich auf heiße, selbstzerstörerische Weise verbinden. Speichern Sie für eine absolute Bravour Benny Safdie Als Berater/CIA-Agent wird die tonal unbeholfene und düstere Handlung unbeabsichtigt komisch. Zeilen mitten im Koitus wie „suck me“ sorgten für schallendes Gelächter im Publikum, und die Ziellosigkeit der Handlung lässt sie leblos zurück.

In der Zwischenzeit, David Kronenberg ist zurück in ein Gebiet, mit dem das Publikum vertrauter ist Verbrechen der Zukunft eine Geschichte über Sexualität, Horror und Kunstfertigkeit auf tiefe und dunkle Weise anzugehen. Erneut Zusammenarbeit mit Viggo Mortensen , sowie dergleichen Don McKellar Cronenberg, der bei Diskussionen über den Film stark übersehen wird, entstaubt ein Drehbuch von vor einigen Jahrzehnten über einen Mann, dessen Körper Organe von unbekanntem Nutzen wachsen lässt und deren Extraktion als eine Art Performance-Kunst nutzt. Unterstützt von seiner Partnerin und Muse Caprice ( Lea Seydoux in einer ihrer effektivsten Rollen) fetischisieren die beiden Operationen und verflechten sich in wilden Apparaten, die es ihnen ermöglichen, in die dunkelsten Ecken des Körpers und ihrer Psyche einzutauchen. Zusammen mit Scott Speedman und eine engagierte, launische, distanzierte Darbietung von Kristen Stewart , hier gibt es viel zu erleben. Es ist natürlich vertrautes Terrain, und diese Verschmelzung von „eXistenZ“ mit „ Absturz “, „ Tote Ringer ” und andere Arbeiten kann es sich wie eine Runderneuerung anfühlen. Cronenberg schafft jedoch einen Film der philosophischen Resonanz und einer Art spiritueller Suche, indem er die Vorstellung hinterfragt, verzweifelt an der Vergangenheit festzuhalten, anstatt das neue Fleisch übernehmen zu lassen.

Christian Mungiu ist hier ein weiteres beliebtes Talent – ​​sein „ 4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage “ gewann 2007 den höchsten Wettbewerbspreis und erhielt 2012 und 2016 weitere wichtige Auszeichnungen. Er ist zurück mit „R.M.N.“ ein starker Blick auf Identität und Integration in einer kleinen siebenbürgischen Stadt, in der zahlreiche Kulturen aufeinanderprallen und Fremdenfeindlichkeit in immer dünnere Segmente geschnitten wird. Es ist eine faszinierende und reichhaltige Geschichte mit bemerkenswerten Sequenzen, darunter eine statische Aufnahme einer Gemeindeversammlung. Bei der Konstruktion der Geschichte gibt es viel zu bedenken, und Tage später schwingen einige ihrer ruhigen Momente immer noch mit. Seine offenkundigen Metaphern sind zu schwerfällig, aber als prüfender Blick auf die Widersprüche einer Gemeinschaft und allgemeine Fäulnis im Herzen eines europäischen Experiments (zusammen mit den Untertönen ethnischer Säuberungen) hat der Film viel zu bewundern.

Ich war hin und weg Kelly Reichhardt neuster Film, „Auftauchen.“ Sein leiser Ton und sein Slot am späten Abend bedeuteten, dass es wahrscheinlich von vielen übersehen wurde. Michelle Williams spielt eine Frau namens Lizzy Carr in dieser Geschichte von aggressiver Passivität und Kunstinstallationen, einer Welt von Socken und Sandalen, in der selbst das schmeichelhafteste Verhalten gleichermaßen wettbewerbsorientiert und lächerlich zu sein scheint. Hong Chau ist fantastisch als Jo, die Vermieterin/Künstlerin, deren Komplimente an Lizzy sich gleichermaßen aufrichtig und schneidend anfühlen. Ihre Mutter ( Maryann Plunkett ) beschäftigt ihre Tochter in der Einrichtung, während ihr Vater (eine willkommene Rückkehr von Judd Hirsch ) schwelgt im Ruhestand. Ihr besorgter Bruder Sean ( John Magaro ) zeigt offen, wie die Grenze zwischen einer Kunstinstallation und einem manisch gegrabenen Loch im Boden außerhalb einer Galerieumgebung schwer auszumachen ist.

In einem anderen Kontext könnte „Showing Up“ wie a spielen Christoph Gast Mockumentary. Doch jedes Mal, wenn ich befürchtete, dass die Dinge zu überreizt werden würden, von einer Käseplatte bis zu einem potenziell zerstörerischen Vogel, gelang es Reichardt, die Dinge zu zügeln und den Ton perfekt auf die Eigenheiten dieser Charaktere abzustimmen. Sogar Diskussionen über Miete und Wassertanks nehmen eine absurde, aber leise Intensität an, die in einem Film gipfelt, der es verdient, genau betrachtet zu werden, um das Beste aus seinen subtilen Freuden herauszuholen.

Lukas Dhont , zuletzt in Cannes mit seinem mit der Camera d’Or (bester Erstlingsfilm) ausgezeichneten „Girl“, erzählt eine schöne und bewegende Geschichte über zwei junge Freundinnen, die sich auseinanderzuleben beginnen Nah dran .“ Auf den ersten Blick würde diese Coming-of-Age-Geschichte leicht als bloßer manipulativer Quatsch abgetan werden, doch Dhonts Gabe besteht darin, Momente großer emotionaler Subtilität zu bieten, ohne jemals rührselig oder offen manipulativ zu werden.

Dhonts Fähigkeit, mit neuen Talenten zu arbeiten, ist wieder einmal offensichtlich, und die subtile und gedämpfte Darbietung von Eden Dambrine als Léo ist einer der Triumphe des diesjährigen Festivals. Gustav de Waele als Rémi ist auch bei dieser in gewisser Weise schwierigeren Aufgabe außergewöhnlich und erweckt den etwas geradlinigeren Charakter zum Leben. Es ist eine düstere Geschichte des Erwachsenwerdens, und Dhont erzeugt so viel Empathie für seine Charaktere, sowohl für die Kinder als auch für ihre Eltern, dass man leicht glauben kann, dass die Leidenschaften und Frustrationen dieser Geschichten eingefangen sind. Es ist eine breite Geschichte, die mit bemerkenswerter Schärfe und Subtilität unter dem narrativen Gerüst erzählt wird, und ich glaube, dass sie viel Liebe von denen erhalten wird, die offen für die Reise sind, auf die sie das Publikum führt.

Ein weiterer Film aus der UCR-Liste ist der ungehobelte und dreiste „Kriegspony“, Riley Keough und Gina Gammells diesjährige Gewinnerin der Camera d’Or. Die Entstehungsgeschichte des Films ist der einfachste Teil, über den man sprechen kann – am Set von South Dakota Andreas Arnold 's ' Amerikanischer Honig “, Keough freundete sich mit zwei indigenen Nebenspielern an, Bill Reddy und Franklin Sioux Bob. Zusammen mit dem Gammell verbrachten die vier viele Jahre damit, an einer Geschichte des Lebens im Reservat zu arbeiten, wobei ein Großteil davon auf tatsächlichen Erfahrungen basierte, die Reddy und Bob durchlebten. Das Ergebnis ist tonal unpräzise mit einer fast enthusiastischen Übernahme der schlimmsten Eigenschaften der Charaktere, die uns nie wirklich in ihr Leben holt, sondern sich viel voyeuristischer anfühlt als alles andere.

Ich überlasse es anderen zu sagen, ob Keough und Gammell die besten sind, um die Geschichte von Bob und Reddy auf der großen Leinwand zu erzählen, aber Fragen der Repräsentation darüber, wer die Geschichten einer solchen Gemeinschaft erzählen darf, werden im Vordergrund stehen Diskussion. In einem Europa, das die Geschichten der amerikanischen Ureinwohner seit langem mit einer romantisierten Faszination für den edlen, verarmten, kämpfenden Plains-Mensch umarmt, ist es nicht verwunderlich, dass der Film gut aufgenommen wurde. Ich bin gespannt, wie die Mitglieder der Lakota-Gemeinschaft und die Ureinwohner in meinem eigenen Land darauf reagieren. Ich freue mich darauf, denjenigen zuzuhören, die sich so lautstark und kraftvoll zu diesen wichtigen Fragen der Identität und des Geschichtenerzählens geäußert haben.

Eines der unterbewerteten Juwelen des letzten Jahres war Jaques Audiard ’s meisterhaftes „Paris, 13 th District“, ein wunderschöner Neo-Nouvelle Vague-Film, der in der multiethnischen Olympiades-Gemeinde der französischen Hauptstadt spielt. Das Drehbuch wurde mitgeschrieben von Céline Sciamma und Lea Mysius , zwei bemerkenswerte Filmemacher für sich. Sciammas „ Kleine Mama “ wurde 2021 auf den Berliner Filmfestspielen uraufgeführt, und es ist interessant zu sehen, wie Mysius’ „Die fünf Teufel“ spielt dieses Jahr auch mit Zeit und Mutter-Tochter-Beziehungen, stellt provokative Fragen zu Lebensentscheidungen und fügt gerade genug Übernatürlichkeit hinzu, um die Dinge interessant zu halten.

Ein weiterer Cannes-Favorit Adele Exarchopoulos (Empfängerin einer einzigartigen Goldenen Palme zusammen mit Seydoux für „Blau ist die wärmste Farbe“) spielt die Hauptrolle als Mutter von Vicky (Sally Dramé), einem jungen Mädchen, das anscheinend die magische Kraft hat, Gerüche unterscheiden zu können. Ihr Vater (Moustapha Mbengue), ein großer, imposanter Feuerwehrmann, erhält einen Anruf von seiner Schwester Julia (Swala Emati), die kürzlich aus dem Gefängnis entlassen wurde und auf der Suche nach einer Bleibe ist.

So beginnt diese wilde Geschichte von Vergangenheit und Gegenwart, die verflochtenen Beziehungen gepaart mit einer Mischung aus angeblicher Geisteskrankheit und mystischeren Gedanken. Kein einziger Moment sollte funktionieren und unter seinem eigenen metaphysischen Gewicht zusammenbrechen, doch Mysius und ihr Drehbuchautor Paul Guilhaume Führen Sie einen magischen Trick vor und verwandeln Sie dieses Freundschafts- und Familiendrama in etwas wirklich Außergewöhnliches. Es ist nicht nur die äußerst gut strukturierte Handlung, sondern auch die sehr guten Darsteller, insbesondere von Dramé. Ihre Leistung hat nichts Frühreifes an sich, und es ist ein absolut glaubwürdiger Einstieg in die Gedankenwelt eines jungen Mädchens. Es ist ein großartiger Film, der emotional reich und erzählerisch befriedigend ist.

Und damit endet meine Reise nach Cannes 2022. Dutzende von Filmen, Pfund Steak Tartar und mit Trüffeln überzogene Nudeln wurden mit der gleichen Hingabe verschlungen. Ich habe Freunde wiedergesehen, die ich vermisst hatte, bevor COVID zuschlug, und neue Kollegen getroffen, die ich hoffentlich entlang des Festivalpfads sehen werde. Es ist wieder einmal eine große Ehre, bei diesem geschichtsträchtigsten aller Festivals auch nur am Rande mit dem Namen Ebert in Verbindung gebracht zu werden, und es ist ein Moment, den ich nicht so schnell vergessen werde, Live-Radio aus dem Raum, in dem eine Messingtafel Rogers Namen markiert, nach Kanada übertragen zu haben .

Als Kind habe ich davon geträumt, es eines Tages zu diesem Festival zu schaffen, und für dieses, meine neunte Iteration in 26 Jahren, habe ich nie angenommen, wie besonders ein Event wirklich sein kann. Von der Sicherung meiner vorderen / mittleren Sitze an jedem Veranstaltungsort bis hin zu einer Umarmung Brett Morgen nach seiner Bowie-Premiere, als die Ovationen erklangen, oder die Aufgabe, die Eröffnungsfrage am Presser „Triangle of Sadness“ mit großer Wirkung zu stellen, oder auf einer Couch einen Fuß von Seydoux entfernt zu sitzen, während wir ausführlich über ihre Liebe zu sprachen Tom Kreuzfahrt , es waren weitere magische, anstrengende, überwältigende zwei Wochen, die wir bei diesem glorreichsten aller Kinoereignisse verbracht haben.

Wir sehen uns nächstes Jahr!